Es ist ein Instrument, das auf dem grundlegendsten Zeichen des Lebens basiert: dem Atem. Hör dir die beste Musik an, die je für sie geschrieben wurde.

In der Vergangenheit haben wir die etwa fünf Minuten ausgewählt, die wir spielen würden, um unsere Freunde in die klassische Musik, das Klavier, die Oper, das Cello, Mozart, die Komponisten des 21. Jahrhunderts, die Violine, die Barockmusik, Soprane und Beethoven zu verlieben.

Nun wollen wir auch die neugierigen Freunde von der Flöte überzeugen. Wir hoffen, Sie finden hier viel zu entdecken und zu genießen; hinterlassen Sie Ihre Auswahl in den Kommentaren.

Nathalie Stutzmann, Dirigentin und Sängerin

Die Flöte ist eine der ältesten Möglichkeiten der Menschheit, einen schönen Klang zu erzeugen, und sie basiert auf dem grundlegendsten Zeichen des Lebens: dem Atem. Die frühesten Exemplare, die aus Knochen, Holz oder Schilfrohr hergestellt wurden, stammen aus dem Paläolithikum. Die Flöte wird oft mit elegischen, poetischen und engelhaften Dingen assoziiert – mit Reinheit – aber auch mit der Welt der Magie; in der Mythologie verführt Orpheus die Unterwelt, indem er die Flöte spielt. In diesem Ausschnitt aus Glucks Orpheus-Oper ist die Flöte äußerst sinnlich und führt uns mit ihrem lyrischen Aufschwung von irdischen zu himmlischen Freuden.

Glucks „Tanz der seligen Geister“

James Galway, Flötist

Johann Joachim Quantz war ein deutscher Flötist und Flötenbauer, der Hunderte von Sonaten und Konzerten für dieses Instrument komponierte. Jedes Mal, wenn er etwas schrieb, zahlte ihm sein Schüler Friedrich der Große eine hohe Summe, die dem Preis einer Kuh für jedes Konzert entsprach. Er starb in großem Reichtum. Dies ist der dritte Satz von Quantz‘ Konzert in G, ein Stück, das ich als Kind gelernt habe.

Quantz‘ Konzert in G

Ian Anderson, Leiter von Jethro Tull

Vor etwa zwanzig Jahren machte ich die Bekanntschaft eines Schützlings des berühmten Flötisten James Galway. Der junge Emporkömmling hieß Andrea Griminelli und lud mich ein, an einem Konzert teilzunehmen – eine abenteuerliche Verbindung für einen ernsthaften klassischen Solisten und einen lauten, respektlosen Rockmusiker. Ich schrieb ein Duett, und wir nahmen es auf, „Griminelli’s Lament“. Wir spielen es immer noch, und Andrea spielt oft ein wunderschönes Stück, das von seinem anderen Freund, Ennio Morricone, geschrieben wurde: „Gabriel’s Oboe“, das Thema aus dem Film „The Mission“. In diesem Stück kombiniert Andrea seine tadellose Nuancierung und Technik mit einer Pop-Sensibilität, die vielen Klassikern fehlt.

Ennio Morricone’s „Gabriel’s Oboe“

Corinna da Fonseca-Wollheim, Times-Autorin

Dai Fujikura, der Komponist dieses eindringlichen Monologs für Bassflöte, vergleicht es mit „einer kalten Luftfahne, die lautlos zwischen den Gipfeln einer eiskalten Landschaft schwebt, langsam, aber schneidend wie ein Messer“. Hören Sie, wie Claire Chase mit Klängen verzaubert, die einem anderen geologischen Zeitalter anzugehören scheinen, wie Windböen, die den Eingang einer Höhle durchstoßen. Manche Töne zersplittern in zwei Teile oder lösen sich in Luft auf, während man hier und da den Geist einer menschlichen Stimme hört, die durch das Instrument kanalisiert wird.

Dai Fujikuras „Gletscher“

Brian Lehrer, WNYC-Moderator

Hubert Laws ist vor allem als Jazzflötist bekannt, aber er wurde an der Juilliard School klassisch ausgebildet und hat seit langem auch Interpretationen klassischer Musik in seinem Repertoire. Dieses fröhliche Bach-Arrangement von seinem Album „The Rite of Spring“ aus dem Jahr 1971 ist ideal für alle, die Jazz mögen, aber nicht viel mit Klassik am Hut haben – oder wenn Sie weder das eine noch das andere mögen, könnte es Sie dazu bringen, sich in beides zu verlieben! Achten Sie auf die schöne und originelle Kadenz am Anfang, nach der Sie Bach wiedererkennen werden, manchmal in einer Jazz-Ader, manchmal geradliniger. (Und wenn Sie noch neun Minuten Zeit haben, hören Sie sich seine eindringliche und dann aufsteigende Interpretation von Ravels „Boléro“ an, die mit einer seltenen Bassflötenpassage beginnt und mit einem herrlichen Klaviersolo von Chick Corea endet)

„Brandenburgisches Konzert Nr. 3 (Zweiter Satz)“

Brandon Patrick George, Flötist

C.P.E. Bachs Flötenkonzerte stammen aus seiner Zeit am Hof Friedrichs des Großen, der ebenfalls Flötist war, und sind brillante Darstellungen der Sturm-und-Drang-Bewegung des 18. Jahrhunderts, die die emotionale Wirkung der Kunst steigern wollte. Im letzten Satz des d-Moll-Konzerts stürmt das Orchester heftig los und bereitet die Bühne für fünf Minuten unerbittlicher Flötenvirtuosität, die oft durch dramatische Stille und verblüffende harmonische Wendungen unterbrochen wird. Wenn ich es aufführe, liebe ich es, das Erstaunen des Publikums zu beobachten; es entfacht einen Sturm, wie kein anderes Flötenkonzert.

C.P.E. Bachs Konzert in d-Moll

Unsuk Chin, Komponist

Das Klavier, mein Instrument, wurde im 19. Jahrhundert perfektioniert; daher kann es für zeitgenössische Komponisten eine Herausforderung sein, es neu zu erfinden. Anders verhält es sich mit der Flöte, die als Soloinstrument nicht immer weit verbreitet war. In seinen fünf Etüden aus dem Jahr 1974 erweiterte Isang Yun die Möglichkeiten der Flöte, indem er sich sowohl von zeitgenössischen westlichen Ansätzen als auch von traditioneller koreanischer Musik, einschließlich alter Instrumente wie Piri und Daegeum, inspirieren ließ.

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Isang Yuns Étude Nr. 5

David Allen, Autor der Times

Am besten nimmt man den Komponisten und Dirigenten Pierre Boulez beim Wort: „Die Flöte des Fauns hat der Musikkunst neuen Atem eingehaucht; was umgestürzt wurde, war nicht so sehr die Kunst der Entwicklung als vielmehr der Begriff der Form selbst.“ Wenn Debussys „Prélude à l’Après-midi d’un Faune“ tatsächlich den Beginn der musikalischen Moderne darstellte, was für ein Beginn: geschmeidig, formvollendet, sinnlich. Die Flöte tritt in den Vordergrund einer Musik, die in ihrem Auf und Ab verzaubert, die einen dazu bringt, sich immer wieder neu in das Orchester und die Flöte zu verlieben.

Debussys „Prélude à l’Après-midi d’un Faune“

Anna Clyne, Komponistin

Ich fühle mich oft von der bemerkenswerten Wärme des unteren Registers der Flöte angezogen – zum Beispiel bei der Eröffnung von Debussys „Prélude à l’Après-midi d’un Faune“ – und ich liebe besonders die Bassflöte. Marcos Balters „Pessoa“ für sechs von ihnen bringt dieses Instrument auf ungewöhnliche und schöne Weise zur Geltung: Es verwebt eine seufzende Qualität mit Vokalisierung und Tonhöhen, die sich biegen, Kehlkopfflattern und Tastenklicks, die sich im Stereoeffekt verschieben, und mehrere Tonhöhen, die sich zu resonanten Klangflächen stapeln.

Marcos Balter’s „Pessoa“

Nicole Mitchell, Flötistin und Komponistin

Ungeachtet des Stils der Musik oder des kulturellen Kontextes, aus dem sie erklingt, ist es die Fähigkeit der Flöte, das Herz zu durchdringen, die mich am meisten bewegt. „The Price of Everything“ aus der „Suite for Frida Kahlo“ ist eines meiner Lieblingsstücke des phänomenalen James Newton. Er wird als Jazzflötist gefeiert, aber wie viele kreative Musiker ist er auch als Komponist für Orchester und klassische Ensembles tätig. In diesem Stück singt er sich mit seinem gewaltigen Klang mit Leichtigkeit und Anmut durch die oberen Register. In unserer unruhigen Zeit erinnern uns sein brillantes Spiel und der Titel des Stücks daran, was wirklich wichtig ist: die Menschlichkeit im anderen zu suchen.

James Newton’s „Der Preis von allem“

James Schlefer, Shakuhachi-Spieler

Frisch vom College mit einem Abschluss in Flötenspiel und dem Beginn eines Studiums der Musikgeschichte, hörte ich die Shakuhachi zum ersten Mal bei einem Hauskonzert und wusste, dass ich diesem durchdringenden Klang nachgehen musste. Aber als ich an jenem Tag versuchte, eine Shakuhachi zu spielen, konnte ich kein einziges Geräusch erzeugen. Ich lieh mir eine Shakuhachi, fand meinen ersten Lehrer und widme mich seit vier Jahrzehnten dem Studium, der Aufführung und dem Unterrichten dieser Musik. Es handelt sich um eine strenge Tradition, die bemerkenswert gut mit der westlichen klassischen Musik vereinbar ist. Eine prägende Aufnahme für mich war Kohachiro Miyata mit „Honshirabe“. Sie führte mich zu dem Verständnis, dass Musik nicht nur Klang ist, sondern auch Stille.

„Honshirabe“

Claire Chase, Flötistin

Diese berauschenden vier Minuten haben mich im Alter von 13 Jahren in den Bann dieser kleinen Metallröhre gezogen, und sie halten mich bis heute gefangen. Abwechselnd schmerzend, lockend, heulend wie eine Sirene und lyrisch ausbrechend, ist dies eine Musik, die den Zuhörer packt und nicht mehr loslässt. Es gibt kein Solo-Flötenstück wie dieses. „Density 21.5“ entfaltete genre-auflösende Möglichkeiten für das Instrument und sein Repertoire und inspirierte Aufführungen von Titanen des Avantgarde-Jazz und der klassischen Musik gleichermaßen; Harvey Sollbergers Wiedergabe von 1975 erschüttert mich immer noch mit seiner Ehrlichkeit, Brutalität und Anmut.

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Varèse’s „Dichte 21.5“

Joshua Barone, Times-Redakteur

Man könnte eine Liste von Flöten-Highlights zusammenstellen, die sich ausschließlich auf Claire Chases „Density 2036“ stützt, ihr erstaunliches Projekt, in jedem der 23 Jahre bis zum hundertsten Jahrestag von Varèses „Density 21.5“ neue Soloprogramme in Auftrag zu geben. Diese Uraufführungen haben bereits eine enzyklopädische Vision des Instruments geboten – manchmal sogar innerhalb eines einzigen Stücks, wie Marcos Balters „Pan“. Dies ist ein musikalisch erzählter Mythos, aber auch ein Streifzug durch die Flötenfamilie (Panflöten natürlich inbegriffen) und die Möglichkeiten des Ganzkörperspiels, der in das abschließende „Soliloquy“ mündet: ein Ende, das zugleich plappernd, klaustrophobisch und dunkel-sinnlich ist.

Marcos Balter’s „Pan“

Zachary Woolfe, Redakteur für klassische Musik der Times

Eines der üppigsten Flötensoli im Repertoire stellt die Erschaffung der ersten Flöte dar. Gegen Ende des Balletts „Daphnis et Chloé“ gibt sich Daphnis als der Gott Pan aus, der Schilf zu Pfeifen formt – Panflöten! – um musikalisch den Verlust einer Nymphe zu betrauern, die er verfolgte. Aber in Ravels schwüler Partitur ist das Lied, das daraus entsteht, mindestens so verführerisch wie melancholisch. Und sogar spielerisch: Dieser Pan kann gar nicht anders als tanzen.

Ravels „Daphnis und Chloé“

John Corigliano, Komponist

Nach der Stimme und der Trommel ist die Flöte unser ältestes Instrument? Das Anblasen eines hohlen Rohrs erzeugt eine Klangfarbe, die tief in unsere Seele dringt. Unsere moderne Flöte kann alles: schnelle Tonwiederholungen, große Sprünge, eine Dynamik, die vom Flüstern bis zum Schreien reicht. Aber selbst in ihrer sanftesten Form ist es dieser Klang, der die Flöte unwiderstehlich macht. Der große japanische Komponist Toru Takemitsu schrieb 1995 sein exquisites „Air“ für Soloflöte. Man hört alle Farben des Instruments: intim wie ein Wiegenlied im tiefen Register, ätherisch wie der Wind in der Höhe.

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Toru Takemitsu’s „Air“

Seth Colter Walls, Times-Autor

Anthony Braxtons „Composition 23C“ bietet ein denkwürdiges Amalgam aus musikalischen Sprachen. Das gemeinsame Auftreten von Trompete und Bass lässt zunächst an eine Jazz-Combo denken, doch ihre melodische Partnerschaft mit Braxtons Flöte ist eine geschickte Irreführung. Durch ständige Wiederholungen und die allmähliche Entfaltung von Motiven im Gleichschritt spielt die Gruppe – mit dem zusätzlichen Vorteil einiger improvisierter Perkussionen – eine Glosse über den Minimalismus. Zu dieser Ästhetik hatte Mr. Braxton als zeitweiliges Mitglied des Philip Glass Ensembles schon früh Zugang. Aber die muntere Prägnanz seiner Interpretation dieses Stils ist eine ganz eigene, freudige Erfahrung.

Anthony Braxton’s „Komposition 23C“

Anthony Tommasini, Chefkritiker für klassische Musik der Times

Im Jahr 1943, als der Zweite Weltkrieg tobte, gönnte sich Prokofjew eine Pause von seiner frechen Filmmusik zu „Iwan der Schreckliche“ und schrieb seine Sonate für Flöte und Klavier in D. Oberflächlich betrachtet mag dieses Stück genial erscheinen. Doch gleich im ersten Satz, nach dem fließenden, lyrischen Hauptthema, durchläuft die Musik Episoden mit dunklen, wandernden Harmonien und beunruhigenden Wendungen. Kurz nach der Uraufführung drängte der Geiger David Oistrach Prokofjew, das Stück für sein Instrument umzuarbeiten. Mir gefällt jedoch viel besser, wie sich die hellen, durchdringenden Töne der Flöte in der Originalfassung vom Klavier abheben – und es sogar mit ihm aufnehmen.

Prokofjews Flötensonate

Kathinka Pasveer, Flötistin

Ich lernte Karlheinz Stockhausen im November 1982 am Konservatorium in Den Haag kennen, als er Konzerte und Meisterkurse gab. In diesem Monat habe ich mehrere seiner Werke aufgeführt. Eine Woche nach seiner Abreise erhielt ich einen Anruf, in dem er mich fragte, ob ich nach Kürten in Deutschland kommen wolle. Stockhausen wollte Flötenmusik für mich schreiben, und „Kathinkas Gesang“, der zweite Akt der Oper „Samstag aus Licht“, war geboren. Danach hat er mir viele Werke für Flöte gewidmet. Eines davon ist „Thinki“ (sein Spitzname für mich), ein Geburtstagsgeschenk aus dem Jahr 1997.

5 Minuten, in denen Sie die Flöte lieben werden