Von allen Kommentaren, die Schüler im Unterricht machen, ist die Behauptung, dass sie es zu Hause perfekt spielen können, wohl eine der häufigsten. Ich würde vermuten, dass dies wahrscheinlich universell ist, und obwohl ich nicht glaube, dass die Aussage eine Lüge ist, bin ich mir nicht sicher, ob ich sie immer abkaufe. Ich denke, was sie meinen, ist, dass niemand zu Hause war, um zu urteilen, oder dass das Anhalten irgendwo im Stück, die schlaue Korrektur und der Neustart entweder nicht einmal von den Spielern selbst bemerkt wurden, oder wenn doch, hatten diese Fehler keine offensichtlichen Konsequenzen.

Der springende Punkt ist der (riesige) Unterschied zwischen dem Spielen in der Gemütlichkeit des eigenen Wohnzimmers und den Strapazen einer Aufführung, bei der andere Leute zuhören. Was sich leicht und natürlich anfühlte, als wir allein waren, wird in Anwesenheit anderer plötzlich verräterisch und unglaubwürdig. Und es scheint keine große Rolle zu spielen, ob das Publikum über Musik Bescheid weiß oder nicht.

Es gibt ein Virtual-Reality-Spiel namens Walk the Plank. In der Realität läuft man einfach über ein Brett, das flach auf dem Boden liegt, in der virtuellen Realität läuft man das Brett über eine riesige Stadtlandschaft. Das Erlebnis wird durch das Headset, das die Erfahrung der Realität vermittelt, als real empfunden – obwohl der Verstand weiß, dass man vollkommen sicher und ebenerdig ist, werden das Gehirn und der Körper ausgetrickst und der Schrecken stellt sich ein.

Die virtuelle Realität ist ein Spiel, bei dem man über ein Brett läuft.

Wenn wir auftreten, müssen wir auf vielen verschiedenen Ebenen reagieren – emotional, physisch, sogar viszeral. Wir müssen uns in den Charakter hineinversetzen und die Musik auf der Bühne voll ausleben, hier ist Platz für Spontaneität und Magie! Der Himmel bewahre uns davor, dass wir auf der Bühne darüber nachdenken, welche Noten als Nächstes kommen, die Position unseres Ellbogens in Takt 6 oder daran denken, einen Akkord auf eine bestimmte Weise zu intonieren. Wenn wir unsere Arbeit im Übungsraum getan haben, haben wir uns das Recht verdient, die Bühne zu betreten und alles geschehen zu lassen. Der Trick besteht darin, uns selbst zu vertrauen, die Angst oder das Selbstbewusstsein loszulassen und uns voll und ganz auf die Gelegenheit einzulassen. Das ist nicht immer einfach!

Effektiv zu üben erfordert Zeit, Energie und Disziplin, eine Ernsthaftigkeit der Absicht und eine fast religiöse Einstellung zur Arbeit. Aber wenn wir diese Einstellung mit auf die Bühne nehmen, werden wir unser Publikum wahrscheinlich langweilen. Wir brauchen stattdessen einen Sinn für Wagemut, Spontaneität, Bravour und Zurschaustellung.

Praktizieren vs. Aufführen

Wir wollen einen großen Dynamikbereich (für die meiste Musik) und die ganze Bandbreite des Ausdrucks nutzen. Um die Musik nach außen zu einem Publikum zu projizieren, müssen wir das alles etwas übertreiben. Wir brauchen ein echtes Pianissimo und ein gewaltiges Fortissimo, und alles dazwischen. Während des Übens werden wir jedoch sehr oft nicht in Vortragsgeschwindigkeit mit der vollen Bandbreite an Dynamik und emotionaler Beteiligung spielen wollen. Wenn wir beim Üben mit anderen Dingen beschäftigt sind, müssen wir mit Bedacht, kühlem Kopf und mit einer gewissen Gelassenheit vorgehen und nicht impulsiv. Sobald wir eine Darbietung beginnen, nehmen wir uns vor, die ganze Reise zu vollenden, egal was passieren mag. Wir spannen einen zielsicheren Bogen von Anfang bis Ende, und um erfolgreich aufzutreten, müssen wir unsere inneren Richter zusammen mit unserem kritischen Verstand im grünen Zimmer lassen.

Hier ist eine kurze Liste der gegensätzlichen Geisteszustände, die beim Üben und Auftreten auftreten, die offensichtlichsten. Ich bin sicher, Sie können Ihre eigenen hinzufügen.

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Die Lösung

Es gibt einen weiteren Teil der Dichotomie Üben vs. Aufführen, ein wesentlicher Teil der Konzert- oder Prüfungsvorbereitung. Ich nenne es „Üben einer Performance“. Es ist die bewusste Entscheidung, in unsere Arbeitsroutine Gelegenheiten einzubauen, um zu üben, das Stück oder sogar das gesamte Programm in seiner Gesamtheit durchzuspielen, als ob ein Publikum anwesend wäre. Ich habe schon einmal ausführlich darüber geschrieben, also werde ich mich nicht wiederholen, außer dass ich darauf hinweise, dass wir während dieses Prozesses vor nichts Halt machen. Wir spielen unsere Ausrutscher und Gedächtnislücken durch, wie der Hürdenläufer, der bis zur Ziellinie weitermacht, egal wie viele Hürden umgeworfen werden.

Ich habe schon früher vor verfrühten Durchläufen gewarnt. Wir werden einfach nur die Gewohnheiten verinnerlichen, die bereits vorhanden sind, sowohl die guten als auch die schlechten, und nach einer gewissen Zeit wird es ziemlich unmöglich sein, sie zu korrigieren. Und doch gibt es hier ein Paradoxon! Kein noch so langsames oder sorgfältiges Üben wird die Reflexe etablieren, die wir für die Aufführung brauchen, oder unsere künstlerische Vision des Stücks verfeinern. Wenn Sie das Gefühl haben, dass Sie bereit sind, machen Sie eine mehrtägige Phase, in der Sie abwechselnd eine Aufführung und punktuelles Üben üben (punktuelles Üben bedeutet einfach, sich auf ganz bestimmte Bereiche zu konzentrieren, die Aufmerksamkeit brauchen, weil sie dem Druck einer Aufführung nicht standgehalten haben). Laufen Sie durch, machen Sie eine Pause und machen Sie dann das Spot-Üben. Wiederholen Sie diesen Vorgang über mehrere Tage.

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Aber ich kann es perfekt zu Hause spielen!