Tony Stamp bewertet den energiegeladenen Elektro-Pop der japanischen Band CHAI auf ihrem dritten Album WINK, eine elektrisierende Sammlung psychedelischer Jams des saharauischen Gitarren-Maestros Mdou Moctar und das Neueste aus der Archiv-Serie von Iron & Wine – voll mit Songs, die vor seinem Debütalbum aufgenommen wurden.

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WINK von CHAI

CHAI

CHAI Foto: zur Verfügung gestellt

Ich habe neulich gesehen, wie jemand in den sozialen Medien erklärt hat: „Niemand will dein Lockdown-Album hören. Ich weiß, woher sie kommen – die Musikpresse wurde während der schlimmsten Zeit der Pandemie auf diese Art von Dingen fixiert – aber ich bin da respektvoll anderer Meinung.

Es mag zum Klischee geworden sein, aber Musiker, die von Räumen wie Aufnahmestudios abgeschnitten waren, mussten sich wie der Rest von uns anpassen, und Musik ist oft ein Spiegelbild ihrer Entstehung. Wie könnten Künstler ein globales Ereignis ignorieren – und warum sollten sie? Ich denke, dass diese Alben in den kommenden Jahren als akustische Erinnerung an eine Zeit dienen werden, in der die Welt gezwungen war, drinnen zu bleiben.

Für einige Acts, wie die japanische Band CHAI, brachte es eine komplette Veränderung in Sound und Stil mit sich. Ihre ersten beiden Alben, PINK und PUNK, waren mehr auf schrammeligen, gitarrenbetonten Power-Pop ausgerichtet. Aber für dieses Album WINK – ihr erstes für das amerikanische Label Sub Pop – hat Lockdown sie inspiriert, anders zu arbeiten, und das Ergebnis ist etwas, das mehr auf Synthesizern und Programmierung basiert.

Einiges davon klingt wie aufgeregtes Experimentieren in einem neuen Sandkasten. Und manches ist wirklich gelungen, wie ihr Verständnis von Dancefloor-Dynamik auf dem Deep-House-Jam ‚ACTION‘.

CHAI haben sich auf ihren ersten beiden Platten in elektronischer Musik versucht und haben Hip Hop häufig als Einfluss genannt, aber hier können sie sich wirklich ausstrecken und ihn umarmen. Und während diese Songs immer noch von Enthusiasmus durchzogen sind, hat sich das Tempo insgesamt etwas verlangsamt.

‚Maybe Chocolate Chips‘ ist ein typisch verspielter Titel für ein Stück, das dem RnB der Neunziger verpflichtet ist. Der Chicagoer Hip-Hop-Künstler Ric Wilson ist einer von zwei amerikanischen Kollaborateuren auf dem Album. Es gibt eine interessante Zeile von ihm, die besagt: „Sie können dich nicht mit Schönheitsmythen definieren“

Das ist etwas, worüber CHAI häufig gesprochen haben, obwohl ich manchmal das Gefühl habe, dass mir ein paar Teile dieses spezifischen kulturellen Puzzles fehlen. Sie sprechen oft davon, ‚kawaii‘ zurückzufordern, was ’niedlich‘ bedeutet.

Mana, die Frontfrau der Band, sagte der New York Times: „Wir passten nicht in diese Definition von niedlich, die in Japan als die größte Form von Leistung angesehen wurde. Sobald wir anfingen, unsere Unsicherheiten auszutauschen, wurde es allmählich zu einer Art Trostdecke.“

In ihren Videos gibt es eine Überschwänglichkeit und einen Mangel an Selbstbewusstsein, die als durch und durch charmant rüberkommen. Das lässt auch einen Songtitel wie ‚Nobody Knows We Are Fun‘ bewusst ironisch erscheinen.

CHAI wirken wie eine Band, die normalerweise kein internationales Publikum finden würde, und ich denke, das liegt zum Teil an der schieren Kraft der Persönlichkeit. Im Jahr 2016 gewannen sie einen Wettbewerb, um beim SXSW in Austin aufzutreten, und wurden daraufhin von Sony Japan unter Vertrag genommen. Seitdem haben sie einfach durchgehend gute Musik veröffentlicht.

Bei ihren Auftritten sind sie dafür bekannt, „Karma Chameleon“ von Culture Club zu covern, ebenso wie „Plastic Love“ von Mariya Takeuchi – ein japanischer City-Pop-Klassiker. Es gibt eindeutige City-Pop-Referenzen auf diesem Album und einen Auftritt einer anderen japanischen Band, YMCK, die 8-Bit-Chip-Musik machen, die an Oldschool-Videospiele erinnert.

Es ist vielleicht verlockend, dem Erfolg von CHAI ein Gefühl der Neuartigkeit zuzuschreiben – sie werden von Zwillingsschwestern angeführt und nutzen jede Gelegenheit, um Albernheiten zu umarmen. Aber das würde zum einen übersehen, wie gut sie ihre Instrumente beherrschen, und zum anderen, wie sie mit ähnlicher Leichtigkeit in choreografierte Tanzroutinen wechseln.

Es gibt hier eine Menge Musikalität, die mit einer Fülle von Persönlichkeit ergänzt wird.

Afrique Victime von Mdou Moctar

Mdou Moctar

Mdou Moctar Foto: zur Verfügung gestellt

Wenn man über unser heutiges musikalisches Ökosystem spricht, kommt man nicht daran vorbei, wie das Internet alles verändert hat. Wir alle wissen das; Plattenläden sind so gut wie verschwunden, der Konsum basiert auf einem immer kleiner werdenden Pool von Streaming-Diensten, und so weiter.

Es gab aber auch positive Aspekte. Dinge wie Genres sind viel weniger tribal. Der Geschmack ist insgesamt gemeinschaftlicher. Und mittelgroße Plattenlabels sind immer vielfältiger geworden. Ich habe es zum ersten Mal bemerkt, als Sub Pop, das Label, das die Welt mit Nirvana und anderen in den Grunge einführte, anfing, Avantgarde-Rap-Acts in sein Programm aufzunehmen.

Und jetzt ist eine der heißesten Neuerscheinungen auf Matador – dem amerikanischen Label, das Alben von Belle and Sebastian, Pavement und Kurt Vile veröffentlicht hat – ein neues Album eines Gitarristen aus der Republik Niger.

Mdou Moctars letztes Album erschien bei dem amerikanischen Label Sahel Sounds, das sich auf Musik aus dem südlichen Teil der Sahara-Wüste spezialisiert hat – eine sehr spezifische Vorgabe. Aber Moctar hat einen immer lauter werdenden Buzz um sich herum, was bedeutet, dass dieses Album, Afrique Victime, viel mehr Aufmerksamkeit bekommt.

Er kommt mit einer faszinierenden Geschichte. In seinem Dorf in Agadez, Niger, gab es keine Musikgeschäfte, also musste Moctar seine eigene Gitarre bauen, indem er Kabel von Fahrrädern abisolierte, um sie als Saiten zu verwenden. Er benutzt einen batteriebetriebenen Verstärker, weil er oft keinen Zugang zu Strom hat. Und weil es keine Plektren gab, entwickelte er seine eigene Spieltechnik: Er rüttelte mit dem Zeigefinger an den Saiten, um euphorische Soli zu erzeugen.

Moctar nahm 2008 sein erstes Album Anar auf, das nie offiziell veröffentlicht wurde, sondern laut seiner Bandcamp-Seite über Handy-Tauschbörsen in der Sahara kursierte. Auf dem Album ist seine in Autotune getarnte Stimme über elektronischen Drums zu hören. Es ist eine ganz andere Sache, aber er spielt darauf Akustikgitarre im Taureg-Stil. Tauregs sind die Berber in der Sahara, und die Taureg-Gitarre ist ein regionaler Stil der Volksmusik.

Als Moctar 2015 „Hey Joe“ von Jimi Hendrix hörte, erkannte er einen ähnlichen Stil in Hendrix‘ Spiel, und ihm wurde klar, dass er seine eigene Musik in eine ähnlich verstärkte Richtung bringen könnte. Er war auch von Eddie van Halens Technik angetan, auf das Griffbrett zu hämmern, um blitzschnelle Fetzen zu erzeugen. Dieser Ansatz zieht sich durch das ganze Album.

Es ist erwähnenswert, dass Moctars Band kaum nachlässig ist und diese feurigen Kompositionen mit Präzision und Verve durchzieht. Und während die Songs häufig von glühenden Gitarrensoli übernommen werden, tritt die Band vor, um Moctar zu treffen, was zu mehreren explosiven Momenten führt.

Es gibt eine Handvoll Tracks, bei denen Moctar zu seiner Akustik zurückkehrt, und während sein Spiel genauso unverwechselbar ist, neigen diese Tracks dazu, sich mehr in ihren Rhythmus zu lehnen, wie das von Handclaps und Drum Machine unterstützte ‚Ya Habibti‘.

Einen Künstler wie Mdou Moctar zu entdecken, kann sich anfühlen, als würde man eine ganz neue Welt betreten, und mir gefällt, dass es trotz der Veröffentlichung auf einem amerikanischen Label hier keine wirklichen Zugeständnisse an ein ausländisches Publikum gibt. Ein Teil des Reizes ist die regionale Besonderheit.

Es gibt ein Video auf youtube, in dem Moctar mit Dweezil Zappa (Sohn von Frank) spricht. Als er über den Bau seiner eigenen Gitarre spricht, sagt er, keine zu haben sei wie kein Wasser in der Wüste zu haben. Man kann diese Leidenschaft deutlich in seinem Spiel hören – er ist einer dieser Künstler, bei denen es sich wie eine Erweiterung seiner Persönlichkeit anfühlt.

Der Titel des Albums heißt übersetzt „Africa Victim“, und es gibt hier eine politische Durchgangslinie. Aber ob man das nun weiß oder nicht, diese Musik ist so lebendig, dass es schwer ist, nicht von ihr mitgerissen zu werden.

Afrique Victime von Mdou Moctar

Archivreihe Nr. 5: Tallahassee Recordings von Iron & Wine

Sam Beam AKA Iron & Wine

Sam Beam AKA Iron & Wine Foto: zur Verfügung gestellt

Der aus Carolina stammende Sam Beam, besser bekannt als Iron & Wine, hat seit 2002 sechs Soloalben sowie mehrere gemeinsame Alben veröffentlicht.

Außerdem veröffentlicht er in unregelmäßigen Abständen die sogenannte Archive Series, die aus B-Seiten, Homerecordings und Coverversionen besteht. Er ist jetzt bei Volume 5 angelangt, und das ist aus zwei Gründen überraschend. Erstens besteht es aus den frühesten Aufnahmen von Beams Karriere, die noch vor seinem ersten Album entstanden sind. Und zweitens ist das Songwriting so vollendet wie auf den späteren Veröffentlichungen.

Das Album hat den Untertitel Tallahassee Recordings, aufgrund seines Entstehungsortes. Beam war in den späten Neunzigern aus St. Carolina umgezogen, um eine Filmschule zu besuchen. Er schrieb bereits Songs, aber erst als ein Freund ihm eine Vierspur-Tonbandmaschine lieh, konnte er einige davon aufnehmen.

Beams Debüt, The Creek Drank The Cradle, ist durch und durch Lo-Fi, dumpf und warm auf eine Art und Weise, die sich anfühlt, als würde man in der Zeit zurückhören. Das passte perfekt zu Beams altmodischer Sensibilität, und damals nahm ich einfach an, dass es das Beste war, was er mit dem vorhandenen Equipment an Klangtreue erreichen konnte. Daher ist es etwas schockierend zu hören, dass diese Sammlung, die Jahre zuvor aufgenommen wurde, viel klarer ist.

Das deutet darauf hin, dass das Bandrauschen und der düstere Klang seiner Arbeit aus den frühen 2000er Jahren etwas war, auf das er hingearbeitet hat. Er hatte Recht damit. Auf Tallahassee Recordings lässt die zusätzliche Klarheit diese Songs etwas nackt klingen, aber sein Songwriting war bereits bemerkenswert ausgereift.

Auf Beams Debüt war kein einziges Schlagzeug zu hören, geschweige denn eine Bassgitarre, aber beides ist hier zu hören. Es ist interessant, dass das Weglassen dieser Instrumente etwas hinterlassen hat, das sich kompletter anfühlt, und ich wage zu sagen, gemütlicher.

Was hier vorhanden ist, ist die Essenz von Iron and Wine – Akkordfolgen, die in der Südstaaten-Tradition verwurzelt sind, sein fast geflüsterter Gesang und ländliche Details, die in die Texte eingestreut sind. Der Track ‚This Solemn Day‘ erwähnt lang gewachsene Rasenflächen aufgrund eines abwesenden Großvaters und widmet eine ganze Zeile einer Katze, die sich umdreht, aber diese alltäglichen Beobachtungen werden durch Beams feierliche Darbietung mythisch gemacht.

Einige dieser Lieder haben etwas mehr Schärfe, was vielleicht an Beams Jugend liegt. Seine Stimme ist etwas unsicherer, aber er kennt sich bereits mit Melodien aus, und auch seine Gesangsharmonien sind hier subtil, aber immer noch ziemlich magisch.

‚Ex-Lover Lucy Jones‘ hat etwas von der Romantik, zu der Beam auf späteren Veröffentlichungen neigen würde. Außerdem ist es einfach ein toller Name für einen Song. Ähnlich ohrwurmverdächtig ist der Text von „Calm on the Valley“, wo er singt „I’ve tattooed the head of the woman I’ve wed on my arm“, eingebettet in ein passend gothisches Arrangement.

Ich mag auch „Wir sitzen auf dem Rasen und sie zwinkert, während sie gähnt“. Es sagt so viel so prägnant aus.

Insgesamt sind diese Songs in ihrer Ausführung weniger klar definiert, wie „Iron &“; „Wine of the future“ ist etwas unscharf. Hätte er sie ein paar Jahre später neu aufgenommen, wären sie sicherer gewesen, aber Tallahassee Recordings ist eine solide Blaupause dessen, was noch kommen sollte.

Bei „Elizabeth“ verwandeln der hinzugefügte Bass und die Drums den Song in die Art von flottem Song, den Sam Beam später produzieren sollte, sobald er Zugang zu Studios und so weiter hatte. Sein Vortrag ist typisch melancholisch, selbst bei Zeilen wie „your eyes curl when you grin over your tonic and gin“, aber die Musik ist beschwingt und so betörend wie Iron & Wine immer ist.

Der Sampler: CHAI, Mdou Moctar, Iron & Wine