Wenn die Leute von “Klassischer” Musik sprechen, meinen sie normalerweise die westliche Kunstmusik einer beliebigen Zeitperiode. Aber die klassische Periode war eigentlich eine sehr kurze Ära, im Wesentlichen die zweite Hälfte des 18. Jahrhunderts. Nur zwei Komponisten der klassischen Periode sind weithin bekannt: Mozart und Haydn.

Die Epoche der Romantik brachte viele weitere Komponisten hervor, deren Namen und Musik noch heute bekannt und beliebt sind: Brahms, Tschaikowsky, Schumann, Schubert, Chopin und Wagner sind vielleicht die bekanntesten, aber es gibt viele andere, die ebenfalls bekannt sein dürften, darunter Strauss, Verdi, Liszt, Mendelssohn, Puccini und Mahler. Ludwig van Beethoven, der vielleicht berühmteste Komponist von allen, ist schwieriger zuzuordnen. Seine frühen Werke stammen aus der klassischen Periode und sind eindeutig klassisch im Stil. Aber seine spätere Musik, einschließlich der Mehrzahl seiner berühmtesten Werke, ist ebenso eindeutig romantisch.

Der Begriff Romantik umfasst alle Werke, die in der Klassik entstanden sind.

Der Begriff Romantik deckt den größten Teil der Musik (und Kunst und Literatur) der westlichen Zivilisation ab dem neunzehnten Jahrhundert (den 1800’s) ab. Jahrhundert (1800’). Aber es wurde auch im zwanzigsten Jahrhundert viel Musik im romantischen Stil geschrieben (einschließlich vieler populärer Filmmusiken), und Musik wird nicht als romantisch angesehen, nur weil sie im neunzehnten Jahrhundert geschrieben wurde. Zu Beginn dieses Jahrhunderts gab es viele Komponisten (Rossini zum Beispiel), die noch klassisch klingende Musik schrieben. Und gegen Ende des Jahrhunderts wandten sich die Komponisten von der Romantik ab und suchten nach neuen Idiomen, einschließlich der Postromantik, des Impressionismus und der frühen Experimente der modernen Musik.

Hintergrund, Entwicklung und Einfluss

Klassische Wurzeln

Manchmal entsteht ein neuer Musikstil, wenn Komponisten den alten Stil mit Nachdruck ablehnen. Die Komponisten der Frühklassik waren zum Beispiel entschlossen, sich von dem zu lösen, was sie für die Exzesse des Barockstils hielten. Auch die modernen Komponisten versuchten bewusst, etwas Neues und ganz Anderes zu erfinden.

Aber die Komponisten der Romantik lehnten die klassische Musik nicht ab. Vielmehr eiferten sie bewusst den Komponisten nach, die sie für die großen Klassizisten hielten: Haydn, Mozart und vor allem Beethoven. Sie schrieben weiterhin Sinfonien, Konzerte, Sonaten und Opern, Formen, die alle bei den klassischen Komponisten beliebt waren. Sie behielten auch die grundlegenden Regeln für diese Formen bei, ebenso wie die Regeln für Rhythmus, Melodie, Harmonie, harmonische Progression, Stimmung und Aufführungspraxis, die in (oder vor) der klassischen Periode etabliert wurden.

Der Unterschied zwischen Klassik und Klassik ist, dass die Komponisten die Regeln der klassischen Periode beibehielten.

Der Hauptunterschied zwischen klassischer und romantischer Musik ergab sich aus der Einstellung zu diesen Regeln. Im 18. Jahrhundert waren die Komponisten in erster Linie an Formen, Melodien und Harmonien interessiert, die eine leicht hörbare Struktur für die Musik lieferten. Im ersten Satz einer Sonate, zum Beispiel, würde jeder vorgeschriebene Abschnitt wahrscheinlich dort sein, wo er hingehört, in der richtigen Länge und in der richtigen Tonart. Im neunzehnten Jahrhundert wurden die Regeln, die diese Struktur vorgaben, eher als Grenzen und Begrenzungen gesehen, die erforscht, getestet und sogar übertreten werden mussten. Zum Beispiel kann der erste Satz einer romantischen Sonate alle erwarteten Abschnitte enthalten, während sich die Musik entwickelt, aber der Komponist könnte sich frei fühlen, einige Abschnitte zu erweitern oder zusammenzuziehen oder unerwartete Unterbrechungen zwischen ihnen einzufügen. Die Harmonien des Satzes führen vielleicht von der Tonika weg und wieder zu ihr zurück, wie es erwartet wird, aber sie wandern vielleicht viel weiter weg als bei einer klassischen Sonate, bevor sie endgültig zurückkehren.

Unterschiedliche Annäherungen an die Romantik

In der Tat könnte man den Hauptteil der romantischen Ära in zwei Schulen von Komponisten einteilen. Die einen verfolgten einen eher konservativen Ansatz. Ihre Musik ist eindeutig romantisch in Stil und Gefühl, aber sie will sich auch nicht zu weit von den Regeln der Klassik entfernen. Schubert, Schumann, Mendelssohn und Brahms gehören in diese Kategorie.

Andere Komponisten fühlten sich wohler damit, die Grenzen des Akzeptablen zu überschreiten. Berlioz, Strauss und Wagner waren allesamt Progressive, deren Musik das Publikum ihrer Zeit herausforderte.

Wo geht es nach der Romantik hin?

Vielleicht war es unvermeidlich, dass nach Jahrzehnten des Ausreizens aller Grenzen, um zu sehen, was musikalisch akzeptabel war, die romantische Ära spätere Komponisten mit der Frage zurückließ, was sie als nächstes erforschen oder herausfordern sollten. Vielleicht, weil es keine klare Antwort auf diese Frage gab (oder mehrere mögliche Antworten), geschahen viele Dinge in der Musik am Ende der romantischen Ära.

Die Periode, die die letzten Jahrzehnte des neunzehnten Jahrhunderts und die ersten Jahrzehnte des zwanzigsten Jahrhunderts umfasst, wird manchmal als die postromantische Ära bezeichnet. In dieser Zeit konzentrierten sich viele Komponisten wie Jean Sibelius, Bela Bartok und Ralph Vaughan-Williams auf die Traditionen ihrer eigenen Länder und produzierten stark nationalistische Musik. Andere, wie Mahler und Strauss, trieben die musikalischen Techniken der Romantik bis an die Grenzen des Zumutbaren. In Frankreich komponierten Debussy und Ravel Stücke, die manche Zuhörer als musikalisches Äquivalent zu impressionistischen Gemälden empfanden. Der Impressionismus und einige andere -ismen wie Strawinskys Primitivismus hatten immer noch eine gewisse Grundlage in der Tonalität; aber andere, wie der Serialismus, lehnten die Tonalität und die klassisch-romantische Tradition vollständig ab, weil sie glaubten, dass diese alles hervorgebracht hatte, was sie konnte. Im frühen zwanzigsten Jahrhundert dominierten diese Modernisten schließlich die Tradition der Kunstmusik. Obwohl die Klänge und Ideale der Romantik weiterhin einige Komponisten inspirierten, war die romantische Periode zu Beginn des zwanzigsten Jahrhunderts im Wesentlichen vorbei.

Historischer Hintergrund

Musik findet nicht in einem Vakuum statt. Sie wird von anderen Dingen beeinflusst, die in der Gesellschaft vor sich gehen; Ideen, Einstellungen, Entdeckungen, Erfindungen und historische Ereignisse können die Musik der jeweiligen Zeit beeinflussen.

Zum Beispiel war die “Industrielle Revolution” im neunzehnten Jahrhundert auf dem Vormarsch. Dies hatte einen sehr praktischen Effekt auf die Musik: Es gab große Verbesserungen bei den mechanischen Ventilen und Klappen, auf die die meisten Holz- und Blechblasinstrumente angewiesen sind. Die neuen, verbesserten Instrumente ließen sich leichter und zuverlässiger spielen und hatten oft einen größeren, volleren und besser gestimmten Klang. Streicher und Tasteninstrumente dominieren die Musik des Barock und der Klassik, wobei kleine Bläsergruppen für Farbe sorgen. Mit dem Fortschreiten des 19. Jahrhunderts und der Verbesserung der Blasinstrumente wurden mehr und mehr Bläser zum Orchester hinzugefügt, und ihre Parts wurden immer schwieriger, interessanter und wichtiger. Verbesserungen in der Mechanik des Klaviers trugen ebenfalls dazu bei, dass es die Position des Cembalos verdrängte und zu dem Instrument wurde, das für viele Menschen das Symbol der romantischen Musik ist.

Eine weitere gesellschaftliche Entwicklung, die sich auf die Musik auswirkte, war der Aufstieg des Bürgertums. Klassische Komponisten lebten vom Mäzenatentum der Aristokratie; ihr Publikum war in der Regel klein, großbürgerlich und musikkundig. Der romantische Komponist hingegen schrieb oft für öffentliche Konzerte und Festivals, mit einem großen Publikum von zahlenden Kunden, die nicht unbedingt Musikunterricht gehabt hatten. Tatsächlich gab es im neunzehnten Jahrhundert die ersten Bühnenpersönlichkeiten vom Typ „Popstar“. Interpreten wie Paganini und Liszt waren die Elvis Presleys ihrer Zeit.

Romantische Musik als Idee

Aber der vielleicht größte Einfluss, den die Gesellschaft auf eine Kunst haben kann, liegt im Bereich der Ideen.

Die Musik der klassischen Periode spiegelte die künstlerischen und intellektuellen Ideale ihrer Zeit wider. Die Form war wichtig, sie gab Ordnung und Grenzen vor. Musik wurde als eine abstrakte Kunst gesehen, universell in ihrer Schönheit und Anziehungskraft, über den Kleinigkeiten und Unvollkommenheiten des Alltags. Sie spiegelte in vielerlei Hinsicht die Haltung der Gebildeten und Aristokraten der Epoche der Aufklärung wider. Klassische Musik kann fröhlich oder traurig klingen, aber auch die Emotionen bleiben innerhalb akzeptabler Grenzen.

Die Komponisten der romantischen Ära behielten die Formen der klassischen Musik bei, aber der romantische Komponist fühlte sich nicht durch die Form eingeengt. Das Durchbrechen von Grenzen war nun ein ehrenwertes Ziel, das der Wissenschaftler, der Erfinder und der politische Befreier teilten. Musik war nicht mehr universell; sie war zutiefst persönlich und manchmal nationalistisch. Die persönlichen Leiden und Triumphe des Komponisten konnten sich in stürmischer Musik widerspiegeln, die vielleicht sogar einen höheren Wert auf Emotion als auf Schönheit legte. Musik war nicht nur fröhlich oder traurig; sie konnte wild freudig, erschrocken, verzweifelt oder von tiefer Sehnsucht erfüllt sein.

Es war auch akzeptabler, wenn die Musik eindeutig von einem bestimmten Ort stammte. Das Publikum vieler Epochen erfreute sich an einer Oper, die in einem fernen Land spielt, komplett mit der Version des Komponisten und der exotisch klingenden Musik. Jahrhunderts (einschließlich Weber, Wagner, Verdi, Mussorgsky, Rimsky-Korsakov, Grieg, Dvorak, Sibelius und Albeniz) verwendeten Volksweisen und andere Aspekte der musikalischen Traditionen ihrer eigenen Länder, um ihr Publikum anzusprechen. Ein Großteil dieser nationalistischen Musik wurde in der postromantischen Periode, im späten neunzehnten Jahrhundert, produziert; tatsächlich waren die Komponisten, die am besten für volksinspirierte klassische Musik in England (Holst und Vaughan Williams) und den USA (Ives, Copland und Gershwin) bekannt sind, Komponisten des zwanzigsten Jahrhunderts, die im romantischen, postromantischen oder neoklassischen Stil komponierten, anstatt die strengeren Stile der Moderne zu übernehmen.

Musik kann auch dadurch spezifisch sein, dass sie ein “Programm” hat. Programmmusik ist Musik, die, ohne Worte, eine Geschichte erzählt oder eine Szene beschreibt. Richard Strauss‘ Tondichtungen sind vielleicht die bekanntesten Werke dieser Kategorie, aber Programmmusik ist bei vielen Komponisten bis ins zwanzigste Jahrhundert hinein beliebt geblieben. Wiederum im Gegensatz zur abstrakten, universellen Musik der klassischen Komponisten, versuchte die Programmmusik der Romantik, Musik zu verwenden, um bestimmte Orte, Menschen und Ideen zu beschreiben oder hervorzurufen. Und wieder wurden in der Programmmusik die klassischen Regeln weniger wichtig. Die Form der Musik wurde so gewählt, dass sie zum Programm (der Geschichte oder Idee) passte, und wenn man sich irgendwann entscheiden musste, ob man sich eher an die Form oder an das Programm halten wollte, gewann in der Regel das Programm.

Wie bereits erwähnt, fühlten sich die postromantischen Komponisten immer freier, zu experimentieren und die etablierten Regeln für Form, Melodie und Harmonie zu brechen. Viele moderne Komponisten sind in der Tat so weit gegangen, dass der durchschnittliche Hörer wieder Schwierigkeiten hat, ihnen zu folgen. Musik im romantischen Stil hingegen, mit ihrer Betonung der Emotionen und ihrer Balance zwischen dem Befolgen und dem Brechen der musikalischen Regeln, findet immer noch ein breites Publikum.

Isn t it romantic lead sheet