Meet The Artist: Ji Liu

Interviewed by Ms Fran Wilson

Fran Wilson (FW): Wer oder was hat Sie dazu inspiriert, mit dem Klavierspielen anzufangen und eine Karriere in der Musik zu verfolgen?

Ji Liu (JL): Es waren meine Eltern, die mich ermutigten, Klavier zu spielen, als ich ein Kind war. Obwohl sie keine professionellen Musiker waren, hatten sie seit ihrer Jugend eine große Leidenschaft für klassische Musik – mein Vater kann Trompete spielen, und meine Mutter ist eine Amateur-Geigerin und -Gitarristin. Daher begann meine Beziehung zu dem Instrument schon, als ich noch laufen und sprechen konnte. Wie sich die Dinge natürlich entwickelten, war ich in mehreren lokalen und nationalen Klavierwettbewerben recht erfolgreich, aber meine Eltern haben mich nie zu einer frühen Karriere als „Wunderkind“ gezwungen. Im Gegenteil, sie ermutigten mich, andere Interessen in Kunst, Literatur, Mathematik, Astrologie, Geschichte usw. zu erkunden. Obwohl mir also klar war, dass ich in einem kreativen Umfeld arbeiten würde, rechnete ich bis zum Alter von 13 Jahren nicht unbedingt damit, ein professioneller Musiker zu werden. Zu dieser Zeit nahm ich an einem internationalen Klavierwettbewerb (meinem allerersten internationalen Klavierwettbewerb) in New York City teil. Ich gewann den ersten Preis sowie mehrere Recital-Engagements in den USA, darunter ein Debüt in der Carnegie Hall in New York. Es war auch das erste Mal, dass ich in Übersee auf Tournee war, und die ganze Erfahrung öffnete mir die Augen und den Geist. Natürlich war ich vor meinem Debüt in der Carnegie Hall mit einem Repertoire, das von Liszts La Campanella bis zu Schumanns Symphonischen Etüden usw. reichte, ziemlich nervös, aber zum Glück war ich gut vorbereitet und die Resonanz sowohl des Publikums als auch der Medien war sehr ermutigend. Interessanterweise habe ich seither kein Lampenfieber mehr gehabt und ich fühle mich seitdem ganz natürlich, wenn ich auf der Bühne stehe, also nehme ich an, dass dies wirklich der Wendepunkt in meinem frühen Musikerleben war.

FW: Wer oder was waren die wichtigsten Einflüsse auf Ihr musikalisches Leben und Ihre Karriere?

JL: Viele großartige Menschen haben mein musikalisches Leben erhellt, und viele entscheidende Wendepunkte haben meine Karriere geprägt. Zunächst einmal hatte ich das Glück, bei einigen der renommiertesten Klavierprofessoren zu studieren, die ich mir je hätte erträumen können, wie zum Beispiel Christopher Elton, der mich 2006 in Deutschland beim Spielen von Bachs Goldberg-Variationen entdeckte. Danach verbrachte ich die entscheidendsten, fruchtbarsten und faszinierendsten Jahre meines Undergraduate- und Postgraduate-Studiums bei ihm an der Royal Academy of Music in London, mit der großzügigen Unterstützung von Stiftungen und Einzelpersonen wie der Tabor Foundation, dem David Cohen Trust, Sir. David Tang und der Hattori Foundation, um nur einige zu nennen. Außerdem studierte ich bei Bashkirov in Madrid, bevor ich nach London zog. Ich gehörte damals zu seinen jüngsten Schülern, und sein strenger Unterricht und das Erbe der Russischen Schule bildeten eine starke Grundlage für meine tiefe Liebe zum russischen Repertoire und darüber hinaus. Natürlich bin ich meinen Professoren in China ewig dankbar, wo meine Finger und meine Technik schon in jungen Jahren professionell und solide trainiert wurden, was es mir ermöglichte, mein musikalisches Verständnis und meinen Horizont in diesen frühen Jahren auf die nächste Ebene zu entwickeln. Auch meine fruchtbare Zusammenarbeit mit Classic FM und die Mentorenschaft, die ich seit meinem Abschluss von verschiedenen Musikern und Organisationen erhalten habe, haben zusammen mit meinem Teilzeit-Doktorandenprojekt am King’s College London dazu beigetragen, mein Spiel und meine Perspektive auf das Musizieren in einem noch umfassenderen Maße weiter zu fördern.

FW: Was waren die größten Herausforderungen in Ihrer bisherigen Karriere?

JL: Als Interpret glaube ich zutiefst daran, dass es das exzellente Spiel des Musikers ist (das richtige Repertoire auf die richtige Art und Weise zur richtigen Zeit zu spielen), das die Karriere des Musikers ausmacht. Ich sehe also Herausforderungen durch die Musik und setze mir neue Ziele in der Art und Weise, wie ich meine Konzerte programmiere und wie ich diese Programme spiele. Eine interessante Tatsache über die ewige Natur der klassischen Musik ist, dass es unzählige Möglichkeiten gibt, ein einzelnes Stück aufzuführen, wenn man kreativ und bescheiden genug sein kann. Es ist wichtig, das Vertrauen und die Fähigkeit zu haben, sich offen und aufrichtig durch Musik auszudrücken, was an sich schon eine große Herausforderung ist. Außerdem sind Musiker Menschen wie jeder andere auch und wir müssen uns mit alltäglichen Problemen auseinandersetzen, wie z.B. mit dem Jetlag während unserer internationalen Tourneen fertig zu werden und mit Stress umzugehen, etc. Also, über die Musik und darüber hinaus nachzudenken, das Bewusstsein des Zuhörens zu bewahren, die Geduld zu haben, mit der Stille umzugehen und den Mut zu haben, auch mal Nein zu sagen, das alles ist wichtig für mich.

FW: Auf welche Performance/Aufnahmen sind Sie besonders stolz?

JL: Nachdem ich gerade das Thema „Herausforderung“ beantwortet habe, ist das in der Tat eine herausfordernde Frage! Wenn ich über die jüngste nachdenke, würde ich mein neues Album „Fire and Water“ in die Liste aufnehmen, wenn ich dürfte. Bei der Vorbereitung dieses Albums habe ich die chinesische philosophische Idee des „Wu Xing“ zum Programm gemacht und Klaviermusik präsentiert, die um den Übergang vom späten 19. zum beginnenden 20. Jahrhundert herum geschrieben wurde, wie z.B. Skrjabins 2. Klaviersonate, Debussys Préludes und Strawinsky/Agostis Feuervogel-Suite. Es ist ein Projekt, an dem ich im letzten Jahr gearbeitet habe und das meine künstlerische und musikalische Ästhetik in vielerlei Hinsicht gut repräsentiert. Was einige bemerkenswerte Aufführungen betrifft, so konnten viele andere Fakten als das Spielen selbst zusätzliche Aufregung erzeugen, wie ich mich erinnere. Einer meiner denkwürdigsten Auftritte war zum Beispiel bei den Bristol Proms, wo das Konzert vom Theaterregisseur Tom Morris inszeniert und mit John Cages 4:33 und Bachs Goldberg-Variationen zusammen programmiert wurde. Ich bin also immer noch stolz darauf, die Goldbergs auf so radikale und kontroverse Weise zu präsentieren und sie dennoch überzeugend zu inszenieren. Außerdem habe ich eine von Schuberts selten gespielten, aber überaus schönen Sonaten D.571 (unvollendet) zusammen mit Klavierwerken von Rzewski und Skrjabin bei einigen meiner Recitals gespielt, einschließlich des letzten beim Verbier Festival im vergangenen Jahr. Der Prozess des Entdeckens und Wiederentdeckens von ungewöhnlichen Stücken durch kreative Programmgestaltung ist etwas, das ich als äußerst bedeutungsvoll empfinde und das mir hilft, mit einem Publikum zu kommunizieren. Auch mein kürzliches Debüt mit dem Bournemouth Symphony Orchestra in der Royal Albert Hall und die Weltpremiere von Einaudis Klavierkonzert mit dem Royal Liverpool Philharmonic bringen mich immer zum Lächeln, wenn ich daran denke.

FW: Welche Werke spielen Sie im Einzelnen am liebsten?

JL: Ich schiebe mich nicht wirklich auf ein bestimmtes Genre oder eine bestimmte Art von Werk – und ich bin immer neugierig und suche nach neuem Repertoire, das ich lernen kann. Nach dem, was ich in den letzten Jahren erlebt habe, und mit Blick auf die Zukunft aus einer objektiven Perspektive, würde ich jedoch sehr gerne mehr Werke erforschen, mit denen ich meine Kreativität bei der Programmierung und der Art und Weise, wie ich sie in Live-Aufführungen präsentiere, weiter steigern kann. Die Richtung dieser Reise würde mit dem Werk von Komponisten des französischen Barocks wie Rameau und Couperin sowie Werken meines musikalischen Helden Schubert beginnen, über die Reflexion von mehr Impressionismus bis hin zur modernen Musik unserer Zeit.

FW: Wie treffen Sie Ihre Repertoireauswahl von Saison zu Saison?

JL: Nein, ich würfele nicht und entscheide… Balance, Kreativität, Einheit und Einzigartigkeit sind immer die Schlüsselwörter, wenn es um das Repertoire geht. Ich denke, man muss die Dinge im Kopf klar machen zwischen Traum und Realität, Kreativität und Praktikabilität. Ich bin ziemlich bodenständig und ehrlich damit, was meine aktuellen musikalischen Stärken sind und wo meine praktischen Grenzen in jeder Saison liegen, also ist die Wahl des Repertoires eine Kombination aus meiner fast wissenschaftlichen und kühlen Analyse und meiner langfristigen künstlerischen Vision und Leidenschaft.

FW: Haben Sie einen Lieblingskonzertort, an dem Sie auftreten und warum?

JL: Ich denke, dass die großartige Performance den perfekten Konzertort ausmacht. Die Beteiligung des Publikums sorgt auch für eine gewisse Vibration und Atmosphäre im Saal, die die Akustik komplett umdrehen kann. Manche Orte eignen sich vielleicht für ein bestimmtes Repertoire besser als andere. Ich denke also, dass der Großteil meiner eigenen Gedanken über Konzertorte sehr subjektiv ist. In den letzten Jahren habe ich es jedoch sehr genossen, nicht nur in den großen Sälen wie der Royal Albert Hall und der Royal Festival Hall zu spielen, in denen ich die Akustik tatsächlich genieße, indem ich die Goldbergs sowie Beethovens 4. Klavierkonzert aufführe, sondern auch in einigen intimeren Räumen im ganzen Land, einschließlich einiger exquisiter Kirchen und Konzertvereine. Die Wigmore Hall fällt perfekt in diese Kategorie, wo es für jeden schwer sein dürfte, nicht schön zu klingen!

FW: Wer sind Ihre Lieblingsmusiker?

JL: Diese Frage könnte ich möglicherweise noch in mehreren Tagen beantworten! Insgesamt bereiten mir die Musiker und die Aufnahmen der ersten Jahrzehnte des 20. Jahrhunderts immer viel Freude, sowohl um ihnen zuzuhören als auch um von ihnen zu lernen. Wie ich schon über mein Album „Fire and Water“ geschrieben habe, war die Aufnahme meine Hommage sowohl an das goldene Zeitalter des Klavierspiels als auch an das Musizieren (in jeder Hinsicht) dieser Periode, und sie ist auch eine Hommage an einige der Pianisten, die ich am meisten bewundere, von Rachmaninov und Sofronitsky bis Horowitz, Michelangeli und Argerich, um nur einige zu nennen. Dank der Technologie unseres Zeitalters können wir heute auf endlose Quellen von Aufnahmen online zugreifen, so dass es immer etwas Großartiges und Fabelhaftes zu hören und zu lernen gibt.

FW: Was ist Ihr einprägsamstes Konzerterlebnis?

JL: Es gibt einige denkwürdige Konzerte, die ich besucht habe und die mir immer noch im Kopf herumschwirren. Ich denke, eines der außergewöhnlichsten Konzerte, das ich je besucht habe, war Beethovens 5. Sinfonie unter der Leitung von Christopher von Dohnanyi beim Verbier Festival zu hören, als ich 15 Jahre alt war. Im selben Jahr hörte ich auch Strawinskys Feuervogel-Suite unter der Leitung von Gustavo Dudamel, und diese Aufführung weckte mein anhaltendes Interesse sowohl an Strawinskys Musik als auch an zeitgenössischer Musik. Auch Andras Schiffs Aufführung des letzten Satzes von Beethovens Sonate op. 111 als Zugabe nach den Diabelli-Variationen in der Wigmore Hall war eine der erhellendsten spirituellen Reisen, die ich je gemacht habe. Ich habe an diesem Abend zu stark geklatscht und musste am nächsten Tag einen Tag Pause vom Üben einlegen, um mich zu erholen!

FW: Was ist Ihre Definition von Erfolg als Musiker?

JL: Zusammen mit dem Wachstum von Alter und Erfahrung etc. bedeutet die Definition von Erfolg auch etwas anderes. Ich persönlich denke nicht, dass das Musizieren – was wir als Musiker eigentlich tun – mit „Erfolg“ gemessen oder definiert werden sollte. Aber wenn man es so ausdrücken muss, ist meiner Meinung nach der Erfolg eines Musikers so einfach wie die Disziplin, hart zu arbeiten, die Energie, gut zu performen, den Traum, sich weiterzuentwickeln, Freunde, mit denen man Musik macht, und Neugier und Ehrgeiz für lebenslanges Lernen zu haben.

FW: Was sind Ihrer Meinung nach die wichtigsten Ideen und Konzepte, die man angehenden Musikern vermitteln sollte?

JL: Alle Regeln zu lernen ist das Wichtigste, aber dann seiner Intuition zu folgen, ist etwas, das man auch berücksichtigen sollte, wenn man danach strebt, große Musik zu machen. Außerdem sollte man sich immer vor Augen halten, warum wir Musik machen – geht es nur darum, einen Wettbewerb zu gewinnen oder eine erfolgreiche Karriere zu sichern, oder geht es um etwas, das weit über diese unmittelbaren Ergebnisse hinausgeht? Ich denke, Langlebigkeit und Kreativität sind die Qualitäten, die definitiv helfen würden, eine viel gesündere und erfolgreichere musikalische Reise zu machen.

FW: Wo würdest Du gerne in 10 Jahren sein?

JL: Ich hoffe, dass ich dann immer noch vor großartiger Musik sitze und jeden Tag treu spiele – das gilt nicht nur für die nächsten 10 Jahre, sondern auch für die nächsten 50 Jahre.

FW: Was ist Ihre Vorstellung vom perfekten Glück?

JL: Im Chinesischen gibt es ein Sprichwort namens 乐极生悲, das ins Englische übersetzt heißt: „Joy surfeited turns to sorrow“. Musik inspiriert und lehrt mich, die Dinge auf viele verschiedene Arten und Aspekte zu durchschauen. Dennoch, wenn man den Grad des Glücks kategorisieren und benoten müsste, gehe ich davon aus, dass es das perfekte Glück wäre, sich auf die Dinge konzentrieren zu können, an die man glaubt, und diese mit großer Begeisterung leben zu können – was in meinem Fall bedeutet, in jeder Hinsicht Musiker zu sein.

FW: Was ist Ihr wertvollster Besitz?

JL: Ich würde sagen, meine Familie, meine Mentoren, meine Freunde und all die wunderbaren Menschen, die mich auf meinem musikalischen Weg begleitet haben und begleiten werden.

Pop sieht bach klavier