Von vielen Kritikern als einer der besten Filme des Jahres 2012 gepriesen, ist Paul Thomas Andersons The Master ein Film, der sich einer Kategorisierung entzieht. Vordergründig ist es die Geschichte eines gestörten Weltkriegsveteranen namens Freddie Quell (Joaquin Phoenix), der in eine Kultbewegung namens The Cause aufgenommen wird, die von dem mysteriösen Lancaster Dodd (Philip Seymour Hoffman) geleitet wird. Doch wie alle bisherigen Filme von Anderson zerschlägt auch The Master jede Vorstellung von einer geradlinigen Erzählung und fordert den Zuschauer auf, die logischen und emotionalen Lücken selbst auszufüllen.

Der Film ist vieles: eine Auseinandersetzung mit einem Land im Umbruch, eine Charakterstudie und eine Sezierung der Mentalität eines Kults. Es ist auch die jüngste Zusammenarbeit zwischen Anderson und dem Musiker Jonny Greenwood, nach dem hochgelobten There Will Be Blood von 2007. Greenwood, der vor allem als Keyboarder und Lead-Gitarrist der Band Radiohead bekannt ist, hat mit seiner herben und verstörenden Musik für There Will Be Blood viel Anerkennung für seine Fähigkeit erhalten, die opernhafte Psychose der von Daniel Day Lewis gespielten Hauptfigur zu vermitteln.

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Diesem Score wurde die Chance auf eine Oscar-Nominierung aufgrund einer Formalität verwehrt, aber angesichts der Aufmerksamkeit, die The Master erhalten hat, scheint es sehr unwahrscheinlich, dass Greenwood dieses Mal nicht anerkannt wird. Vereinfacht gesagt, funktioniert sein Score für The Master nach ähnlichen Prinzipien wie der Score für There Will Be Blood, der von Anderson häufig in den Vordergrund der Klanglandschaft gestellt wird, um die intellektuellen Qualitäten der Erzählung zu verstärken. Greenwood ist also gut bedient von seinem Regisseur, der mit seinem formalen, cineastischen Ansatz viel Wert auf die Bedeutung der Musik legt.

Es ist heutzutage ungewöhnlich, dass Filme die manipulative Rolle der Musik so sehr in den Vordergrund stellen, aber Anderson fordert das Kinopublikum aktiv heraus, reißt es aus der Apathie und benutzt die Musik fast als eine eigene Sprache neben der des Bildes selbst. Sehr oft mag das, was auf der Leinwand passiert, ziemlich banal sein, aber in Kombination mit Greenwoods Musik vermittelt der Regisseur zahlreiche verstörende Unterströmungen, die die Zuschauer in ihren Sitzen zusammenzucken lassen (die Eröffnungssequenz von There Will Be Blood ist ein bemerkenswertes Beispiel).

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Mit den avantgardistischen Merkmalen sowohl der Alternative-Rock-Ästhetik von Radiohead als auch von Greenwoods Idol Krzysztof Penderecki (mit dem Greenwood ein Album veröffentlicht hat) ist The Master ein kompromissloses Werk. Aufgeführt vom London Contemporary Orchestra und dem AUKSO Chamber Orchestra, mit einem ausgewählten Ensemble bei bestimmten Stücken, ist der Zweck der Musik, ein unvollständiges Bild zu vermitteln, ein ungelöstes Gefühl von Psychose und Manie zu hinterlassen, was perfekt das widerspiegelt, was Anderson auf dem Bildschirm tut. Im gesamten Film schöpft Greenwood sowohl aus seiner klassischen Ausbildung als auch aus seiner Erfahrung bei Radiohead, um eine markante, experimentelle Klanglandschaft zu schaffen, während dazwischen zeittypische Songs von Leuten wie Ella Fitzgerald eingestreut sind, die Greenwoods Score sehr gut ergänzen.

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Der erste Track, „Overtones“, ist eine Art verdrehte Ouvertüre mit einem Schwall von Streichern, der, obwohl er träge und irgendwie ansprechend ist, einen echten Unterton der Dunkelheit aufweist. Es ist eine Art Ankündigung, dass der Hörer auf eine unangenehme Reise mitgenommen wird. Jeder Track arbeitet auf zwei Ebenen: „Time Hole“ zum Beispiel legt den Schwerpunkt auf attraktive Holzbläsersoli von Andy Finton, David Fuest und Anthony Pike, die schließlich etwas disharmonisch werden, da die Instrumente gegeneinander ausgespielt werden und nie ganz synchron spielen – mit beunruhigendem Effekt.

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„Back to Beyond“ ist einer der zugänglicheren Tracks der Partitur und entwickelt durch morbide Streicher und Bläser ein üppiges Gefühl von Melodrama. Man kann sich vorstellen, dass die harmonische Struktur des Stücks zu einem Technicolor-Weinerfilm aus der Zeit, in der der Film spielt, passt, aber wie immer ist die Musik mit einem Gefühl emotionaler Turbulenzen unterlegt, die Freddies gequälte Persönlichkeit widerspiegeln. „Alethia“ ist möglicherweise das attraktivste und hypnotischste Stück des Albums, eine eindringliche Harfenmelodie, die sich hinter einer ruhigen Holzbläsersektion auf und ab bewegt (sie war auch im Trailer des Films zu hören). Auch hier ist der dramatische Zweck des Stücks ein doppelter: seine trügerisch intimen Schichten deuten auf die Familiendynamik von The Cause hin, in die Freddie eingeladen wird, doch gleichzeitig besitzt die Musik eine schwammige Qualität, die uns an Dodds Motiven zweifeln lässt.

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„Atomic Healer“ lässt den Hörer wieder zu den Holzbläsersoli zurückkehren, diesmal noch nerviger und zackiger als zuvor. Im weiteren Verlauf des Stücks tauchen auch andere instrumentale Texturen auf. In „Able-Bodied Seamen“ (auch im Trailer zum Film zu hören) tauchen die ersten Perkussionsklänge auf: Tom Skinners Schlagzeug mischt sich mit Bass, Holzbläsern und ächzenden Streichern. Außerdem gibt es einen Dialogausschnitt aus der Eröffnungsszene des Films. In „The Split Saber“ kommt eine Orgel zum Einsatz, die unter den gequälten Streichern pulsiert. „Baton Sparks“ entwickelt sich zu einer abschreckenden Masse atonaler, kreischender Streicher, die an Pendereckis Polymorphia erinnern, das in Stanley Kubricks Horrorklassiker The Shining verwendet wurde. „His Master’s Voice“, wie der Titel andeutet, zeigt, wie Dodd seinen Schüler Freddie durch die schiere Macht seines Vokabulars beherrscht. Es beginnt mit einem intimen Streicher-/Klavier-Ensemble, bevor es brüchig und sprunghaft wird, was die Hassliebe der beiden effektiv zusammenfasst.

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Als längster Track der Partitur durchläuft „Application 45 Version 1“ die ganze Bandbreite an Emotionen, von Eleganz bis hin zu atonalen, streichergeführten Turbulenzen, und steigert sich zu einem wahrhaft beunruhigenden Finale vor dem Schlusstrack „Sweetness of Freddie“, der den Hörer in seinem zielsicheren, nachdenklichen Tonfall in der Schwebe lässt, während er auf eine Auflösung wartet, die nie kommen wird. Obwohl die Streicher am Ende der Partitur harmonischer sind als zuvor, hat man immer das Gefühl, dass etwas zurückgehalten wird, dass das Bild unvollständig ist. In dieser Hinsicht passt Greenwoods Partitur perfekt zum Ausblick des Films.

Das wirklich Überraschende an Jonny Greenwoods Score für The Master ist, dass er gleichzeitig gut hörbar und zutiefst beunruhigend ist. Ein großer Teil der Musik ist eigentlich recht harmonisch und angenehm, aber darunter gibt es eine wütende Seite, die nach draußen drängt.

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Doch es ist ein Score, der wirklich danach verlangt, im Kontext gehört zu werden, was bei Filmmusiken immer der wichtigste Faktor ist. Obwohl die Musik für sich genommen schon fesselnd ist, erwacht sie erst richtig zum Leben, wenn sie mit den atemberaubenden 65-Millimeter-Fotografien des Films in Verbindung gebracht wird, wo sie die Bilder sowohl ergänzt als auch gegen sie ankämpft. Natürlich verdient Anderson auch viel Anerkennung dafür, dass er überhaupt so viel Wert auf die Musik legt; es ist wirklich erfrischend, einen Regisseur zu haben, der die Bedeutung einer Filmmusik anerkennt. Wenn es darum geht, unter die Haut des Films zu gehen, den sie begleitet, gehört Greenwoods unverwechselbare, ungewöhnliche und markante Arbeit zu den besten des Jahres 2012, eine akute musikalische Destillation eines gequälten Geisteszustandes.

Greenwoods Musik ist eine der besten des Jahres.

The Master von Jonny Greenwood – Filmmusik-Review